Le pouvoir de la pop culture - Art Explora Academy

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L’essor du Pop Art en Grande-Bretagne et aux États-Unis

Le Pop Art est généralement associé aux artistes américains comme Andy Warhol ou Roy Lichtenstein. En réalité, ce mouvement a émergé dans les années 1950 en Grande-Bretagne avant de s’exporter rapidement aux États-Unis.

 L’Independent Group (Londres, 1952 – 1955) rassemblait des peintres, sculpteurs, architectes, écrivains et critiques d’art, tous désireux de remettre en question les approches modernistes qui dominaient le monde de l’art à l’époque.

À Londres, des artistes de ce groupe comme Eduardo Paolozzi et Richard Hamilton, ainsi que d’autres artistes britanniques comme Pauline Boty et Peter Blake, créent des collages à partir de bandes-dessinées, de publicités et de portraits de célébrités.

Photographe inconnu, Photographie montrant Nigel Henderson, Eduardo Paolozzi, Alison et Peter Smithson assis dans une rue non identifiée,

Vers 1949-1956. Offert aux archives de Tate par Stephen et Jo Henderson ainsi que les familles Henderson, juin 2010. © Succession Nigel Henderson / Tate

Sir Eduardo Paolozzi, Les jouets d’un homme riche,

Papiers imprimés sur carton, 35,9 x 23,8 cm, Tate © Succession d’Eduardo Paolozzi Photo : Tate

Richard Hamilton, Intérieur II,

Peinture à l’huile, peinture à la cellulose et papier imprimé sur panneau, 121,9 x 162,6 cm, Tate © Succession de Richard Hamilton Photo : Tate

Peter Blake, Autoportrait avec des badges,

Pauline Boty, La seule blonde du monde,

1963, peinture à l’huile sur toile, 122,4 x 153 cm. © Succession de Pauline Boty, Tate, Londres. Photo : Tate

Bien que le Pop Art britannique et le Pop Art américain aient présenté des divergences en termes de style et de techniques, les deux mouvements avaient en commun la volonté d’effacer les frontières entre les formes d’art dites « supérieures » et celles dites « inférieures ». À l’époque, le monde avait déjà découvert et accepté les mouvements contestataires comme le cubisme ou le surréalisme mais personne encore ne considérait la culture populaire comme de l’art !

Tiens tiens, encore ces histoires de hiérarchie…

Pour résumer

Le Pop Art efface les frontières entre les arts dits « supérieurs » et les arts considérés comme « inférieurs » en s’appuyant sur des matériaux et des sujets issus de la vie quotidienne.

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Qu’est-ce qui fait le succès du Pop Art ?

« Le Pop Art est : Populaire (destiné aux masses), Éphémère (à court terme), Consommable (facilement oubliable), peu coûteux, produit en série, jeune (destiné aux jeunes), spirituel, sexy, gadget, glamour, gros business. »

Richard Hamilton, 1957

Mais quel est le rapport avec la nature morte ? C’est le sujet : les objets du quotidien !

Le Pop Art adopte les critères esthétiques des médias et de la production de masse, comme les couleurs vives, les lignes épurées et les éléments caractéristiques des bandes-dessinées et des emballages de produits. Tout en s’inspirant également des objets du quotidien, peu coûteux et produits en masse.

Richard Hamilton, Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing ?

(« Qu’est-ce qui rend exactement les maisons d’aujourd’hui si différentes, si séduisantes ? »), 2004, impression sur papier, 26 × 25 cm, Tate Modern, Londres © Richard Hamilton 2018. All rights reserved, DACS. Photo : © Tate, CC-BY-NC-ND 3.0

Pour résumer

Le Pop Art était audacieux, coloré et humoristique et ses artistes étaient fascinés par la culture populaire, la société de consommation et la production de masse.

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Production de masse

Andy Warhol en 1984.

Photo: © Bridgeman Images

Andy Warhol a érigé certains objets en véritables icônes ! Avec ses reproductions de bouteilles de Coca-Cola, de boîtes de lessive Brillo ou encore de conserves de soupe Campbell, ces objets du quotidien sont devenus des œuvres d’art emblématiques. On raconte que Warhol a mangé de la soupe Campbell tous les jours au déjeuner pendant 20 ans ! Il s’agissait visiblement de l’un de ses plats préférés.

Ce petit côté obsessionnel explique peut-être son intérêt pour la sérigraphie. Cette technique d’impression permet de reproduire une image à l’infini en variant uniquement les couleurs. Jusqu’alors utilisée principalement par les publicitaires, la sérigraphie a permis à Warhol de transformer des objets ordinaires en les agrandissant, comme si ses œuvres étaient de véritables panneaux publicitaires.

En s’appuyant sur ce procédé mécanisé, Warhol a brouillé les frontières entre l’art et le commerce. Ses œuvres étaient visuellement percutantes, mais aussi très rentables. Son travail reflète bien l’intérêt de l’artiste pour la convergence de l’art et de la société de consommation. La carrière de Warhol était particulièrement diversifiée : il a réalisé des œuvres vidéos, des peintures mais il a aussi étendu son rôle d’artiste en s’occupant lui-même des relations publiques ou même du marketing ! C’est un créateur complexe et prolifique qui a lancé l’idée selon laquelle un artiste peut également être un véritable homme d’affaire.

Andy Warhol, 32 Campbell’s Soup Cans (« 32 Boîtes de Soupe Campbell »),

1962, peinture sur 32 toiles, 50,8 x 40,6 cm (chaque toile), Museum of Modern Art, New York © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / ADAGP, Paris 2021. Photo : rocor, CC BY-NC 2.0

Andy Warhol, Brillo Box (« Boîte Brillo »),

1964, 43.3 x 43.2 x 36.5 cm, Metropolitan Museum of Art, New York © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / ADAGP, Paris 2021. Photo : Ian Abbott, CC BY-NC-SA 2.0

Andy Warhol, Coca-Cola 210 Bottles (« 210 bouteilles Coca-Cola »),

1962, encre de sérigraphie, polymère synthétique et graphite sur toile, 209,6 x 266,7 cm © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / ADAGP, Paris 2021. Photo : © Christie’s Images / Bridgeman Images

Pour résumer

Andy Warhol conférait aux objets du quotidien le statut d’icône. Plus ils étaient familiers, mieux c’était ! Il utilisait des procédés mécaniques comme la sérigraphie, pour produire un grand nombre d’images rapidement.

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Roy Lichtenstein

Parmi les œuvres les plus emblématiques du Pop Art, on trouve celles de l’artiste américain Roy Lichtenstein. Il est connu pour avoir repris le style et les sujets propres à la bande-dessinée en les transformant en tableaux de grand format.

Dans les années 1970, Lichtenstein a exploré certains genres classiques dont la nature morte.

Ici, on retrouve la composition traditionnelle des natures mortes du 17e siècle. Dans le premier exemple, l’artiste peint des fruits et de la vaisselle mais il y ajoute un portrait encadré pour moderniser le tout. Dans le second, le bouquet de fleurs est relégué au second plan tandis que les outils de l’artiste (pinceaux, palettes, toiles…) composent le sujet principal de la peinture.

Roy Lichtenstein, Nature morte avec portrait,

1974, © Succession Roy Lichtenstein/DACS 2024

Roy Lichtenstein, Nature morte avec palette,

1974 © Succession Roy Lichtenstein/DACS 2024.

Roy Lichtenstein, Drowning Girl (« Fille qui se Noie »),

1963, Museum of Modern Art, New York © Estate of Roy Lichtenstein New York / ADAGP, Paris 2021. Photo : Gandalf’s Gallery, CC BY-NC-SA 2.0

« Lorsque nous pensons aux natures mortes, nous pensons à des peintures qui ont une certaine atmosphère ou ambiance. Mes natures mortes n’ont aucune de ces qualités, elles présentent simplement des images de certaines choses qui font partie d’une nature morte, comme des citrons, des pamplemousses, etc. Elles n’ont pas la signification habituelle d’une nature morte. »

Roy Lichtenstein

Pour résumer

La démarche artistique de Roy Lichtenstein s’inspirait principalement de la publicité et de la bande-dessinée.

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Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen

« Mon travail ne suit pas les mêmes règles que celui d’Andy [Warhol]. Pourtant on associe mon œuvre à la sienne pour la simple raison que nous avons tous deux travaillé sur les images et les objets autour de nous. »

Claes Oldenburg

Certains artistes, dont le sculpteur et graphiste Claes Oldenburg, ont créé des œuvres en transformant des objets qu’ils ont répliqués à une échelle monumentale.

Par exemple, cet énorme cône de glace semble être tombé du ciel pour s’écraser sur l’angle de cet immeuble de Cologne.

Il a réalisé cette œuvre avec sa compagne et collaboratrice Coosje van Broggen. Son interprétation spectaculaire de la nature morte cherche à surprendre et à faire rire les spectateurs. On ne s’attend pas, en visitant un musée, à tomber sur un hamburger géant en plastique mou ou à trouver un gigantesque vélo à moitié enterré dans un parc !

Jeff Koons s’est lui aussi appuyé sur la popularité du Pop Art. Ses sculptures colorées, comme Balloon Dog (Red), se caractérisent par leur forme – inspirée des ballons en forme d’animaux, réalisés par les clowns. Imaginez un chien gonflable qui mesure plus de 3m, mais qui, au lieu d’être fait en caoutchouc, est réalisé en métal poli avec une surface brillante !

Claes Oldenburg et Coosje van Broggen, Dropped Cone à Cologne,

2016, Photo : Christoph Seelbach Creative Commons

Jeff Koons, Baloon Dog (Rouge),

toit du Metropolitan Museum of Art, New York

Pour résumer

De nombreux artistes ont surfé sur la vague du Pop Art pour créer une version magnifiée des objets, produisant des natures mortes aux dimensions colossales.

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L’héritage du Pop Art

Le Pop Art, qui réinterprète le ready-made à sa sauce, laisse derrière lui un immense héritage et continue d’influencer l’iconographie culturelle actuelle.

L’artiste chinois Ai Weiwei fait partie des artistes dont le travail est souvent exposé aux côtés de celui d’Andy Warhol. Cela permet d’explorer les parallèles entre leurs œuvres, bien qu’elles appartiennent à des contextes géographiques et à des époques différents.

Comme Warhol avant lui, Weiwei se sert de la marque Coca-Cola pour évoquer le capitalisme. Il a, par exemple, inscrit le logo Coca-Cola sur une ancienne urne chinoise pour dénoncer le communisme, et crée ainsi son propre symbolisme subversif.

Et ce n’est pas leur seul point commun : tous deux font directement référence à Marcel Duchamp ! Warhol avec son œuvre Screen Test : Marcel Duchamp, 1966 et Ai Weiwei avec Hanging Man in Porcelain, un portrait de Duchamp façonné à partir d’un cintre métallique.

Ai Weiwei, Urne de la dynastie Han avec logo Coca-Cola

Ai Weiwei, Hanging Man (Silver), 

Damien Hirst, The Last Supper (La Cène),

Damien Hirst, Steak and Kidney (Steak et rognons),

Nous avons évoqué plus tôt Damien Hirst et Tracey Emin, deux membres des Young British Artists, un groupe d’artistes britanniques des années 1990.

Le travail d’Hirst et son attitude irrévérencieuse fascinent le public et la critique depuis qu’il a organisé l’exposition Freeze en 1988, alors qu’il était encore étudiant. Dans ses œuvres, il se sert d’objets du quotidien avec humour et ironie : des cadavres d’animaux coupés en deux, des faux emballages de médicaments…

Sa série The Last Supper (La cène) ressemble à une mauvaise blague sur le thème médical. Selon lui, nous avons remplacé notre foi en la religion par notre foi en la médecine. Il tente alors de nous faire réfléchir à la place que la médecine a dans notre alimentation actuelle.

Son œuvre aborde les mêmes thèmes que les natures mortes néerlandaises du 17e siècle et que le travail d’Andy Warhol : la mort, la richesse, la religion et la finitude de l’existence.

Pour résumer

On retrouve l’héritage du Pop Art partout autour de nous : dans les œuvres d’autres artistes mais aussi dans la publicité, les emballages et la culture visuelle actuelle.

Pour résumer, vous avez découvert :

Pour aller plus loin

La naissance du Pop Art

2007 : « Pour l’amour de Dieu » de l’artiste Damien Hirst