Dans les précédents épisodes, les noms de Koons, Eliasson, Richter ou Soulages ont été cités. Si l’on peut toujours définir des courants dans l’art contemporain, des individualités hors normes se détachent et suivent bien souvent leur propre route. Damien Hirst est à ajouter à ces artistes « hors cadre ».

Pour payer ses études, il travaille à la morgue. C’est là qu’il développe une fascination pour la mort qui va se retrouver dans un grand nombre de ses œuvres.

Avec ce crâne de platine serti de 8601 diamants, sa création la plus médiatisée, Hirst montre que la mort est un produit comme un autre, qui s’achète et se vend.

Mais la même année, en 2007, il crée ce crâne en cadavres de mouches noires. La mort repoussante. Sans doute une manière de rappeler que pour toute chose, il existe une multitude de points de vue possibles.

Après la vidéo, les artistes s’intéressent à la photographie : comment la réinventer au moyen de manipulations avant et après la prise de vue. On parle alors de « photographie plasticienne ».

Au milieu des années 1970, Cindy Sherman devient l’une des figures essentielles de cet art. Pendant toute sa carrière, elle est le modèle unique ou presque de son art photographique.

À coup d’accessoires, de prothèses et de maquillages, elle incarne de nombreux personnages pour se faire le reflet déformé de notre société.

L’Allemand Joseph Beuys est l’un des premiers artistes à faire de sa vie la matière principale de son art. Lui aussi jongle entre fiction et réalité, créant ce qu’il appelle sa « mythologie individuelle ».

Il raconte s’être écrasé en avion de chasse en Crimée, en 1940. Des Tatars l’auraient alors rendu à la vie en l’enduisant de graisse et en l’emmaillotant dans des couvertures de feutre. Graisse et feutre se retrouvent ainsi régulièrement dans ses œuvres.

Cette « renaissance » s’apparente à un rite magique chamane (qui communique avec les esprits). Beuys va d’ailleurs mener des actions artistiques en public, appelées performances, dans lesquelles il se montre lui-même en chamane communiquant avec les forces de la nature.

Les artistes extra-occidentaux ne sont pas seuls à être partiellement ignorés. Les femmes partagent le même sort. Parmi les 100 artistes les plus cotés en 2019, on ne trouve que 12 femmes.

Ce chiffre reste très faible mais a tout de même doublé en 10 ans, preuve que les choses évoluent, même lentement.

Les musées et événements artistiques se remettent en question. En 2020, par exemple, le musée d’art de Baltimore a décidé de n’acheter que des œuvres d’artistes femmes.

Le peintre congolais Chéri Samba fait partie des artistes présentés dans l’exposition Les Magiciens de la Terre. À 32 ans, il débute ainsi une carrière internationale.

Huit ans plus tard, il peint une œuvre en 3 images dont Picasso et lui sont les personnages principaux. La dénonciation est très claire.

• Picasso, assis face à une table vide, regarde les masques africains placés devant Samba pour trouver l’inspiration. Ces masques sont en effet à l’origine de son célèbre tableau Les Demoiselles d’Avignon.
• Pourtant, les artistes africains, eux, restent à la porte du Centre Pompidou sans pouvoir y exposer leurs œuvres.

À la fin des années 1960, un mouvement italien se fait une spécialité de ces installations artistiques : l’Arte Povera (art pauvre).

Pour ses artistes, le plus important n’est pas l’œuvre finie mais le geste créateur. D’ailleurs, leurs créations sont parfois impossibles à conserver.

En fait, les artistes de l’Arte Povera mènent une révolte contre le monde de l’art. Ils veulent pouvoir créer sans l’aide des galeries ou des musées. Ils limitent donc au minimum leurs besoins matériels et financiers pour concevoir leurs œuvres. D’où ce nom « d’art pauvre ».

En France, dès les années 1940, Vasarely limite également ses œuvres à des lignes de peinture et des formes géométriques. À l’époque, ce peintre est un peu seul à emprunter cette nouvelle voie artistique. Mais vingt ans plus tard, il est le chef de file d’un nouveau mouvement : l’Op Art.

L’Op Art (art optique) s’appuie sur la connaissance de la vision humaine. En fait, notre œil envoie ce qu’il perçoit au cerveau. Celui-ci en donne une interprétation en s’appuyant sur son expérience. Mais les artistes de l’Op Art le « trompent ». Ils lui font croire que leurs peintures sont en relief et sortent de la surface plate de la toile.