Depuis le début du 20e siècle, la sculpture a beaucoup évolué. Les artistes ont commencé par assembler des objets entre eux, mais ils ont aussi utilisé des déchets, des ossements d’animaux ou des éléments végétaux.

Dans les années 1960, une nouvelle étape est franchie avec des sculpteurs comme Dan Flavin. Pour ces artistes, le lieu où l’on choisit d’exposer appartient à l’œuvre.

On parle alors d’installations. L’exemple de Flavin permet de bien comprendre ce que cela change.

Comme les peintres, les sculpteurs de l’Art minimal veulent libérer la création artistique de la personnalité de l’artiste. Obtenir un art anonyme, en somme.

Avec cette œuvre, Dan Flavin se fait sculpteur de lumière. La lumière des néons découpe un coin de mur. Les couleurs s’y mélangent pour créer une peinture immatérielle qui se répand au-delà de son cadre.

Flavin choisit des matériaux fabriqués en usines pour créer son œuvre. Mieux, il limite son rôle d’artiste à la conception de l’œuvre sur papier. Ensuite, il confie les croquis à des techniciens qui les réalisent.

• Né en 1936
• Trouvant les expressionnistes abstraits trop portés sur l’émotion, Frank Stella cherche, comme Kelly, à effacer toute trace du travail de l’artiste dans ses œuvres.

• Il dit de ses tableaux qu’ils n’ont « aucune qualité particulière, poétique ou mystérieuse. Ce que vous voyez est ce que vous voyez. »
• Ses peintures deviennent alors répétitives et froides : la taille de ses lignes droites ou concentriques est uniquement déterminée par la largeur du pinceau.
• Pour renouveler malgré tout son art, il modifie le format traditionnel du tableau et en fait des tableaux-objets aux formes originales.
• Stella est ainsi l’un des fondateurs de l’Art minimal, nouveau courant artistique américain.

Pour arriver au Land Art, Robert Smithson est d’abord passé par l’Art minimal. De quoi s’agit-il ? C’est un courant américain des années 1960 cherchant à effacer la personnalité de l’artiste dans l’œuvre d’art.

 
Ellsworth Kelly est considéré comme l’un des précurseurs de ce mouvement. Tout est parti d’une étrange expérience vécue à Paris :

En octobre 1949 au Musée d’Art Moderne de Paris, je m’aperçus que les grandes fenêtres entre les tableaux m’intéressaient plus que l’art exposé. Je fis un dessin de la fenêtre et plus tard, dans mon atelier, j’ai réalisé ce que je considérais comme mon premier objet, Window, Museum of Modern Art, Paris. Dès lors, la peinture telle que je l’avais connue était terminée pour moi. Les nouvelles œuvres devaient être des peintures / objets, non signés, anonymes. »

À la suite de Kelly, de nombreux artistes reprennent le flambeau de l’Art minimal.

Le successeur du Pop Art aujourd’hui est tout trouvé : Jeff Koons.

Comme Warhol avant lui, il se saisit des objets les plus communs de notre société de consommation, des stars les plus populaires ou des images les plus courantes pour en faire des œuvres d’art aux tons flashy.

Et comme Warhol, Koons est lui-même une star et une marque qui se vend. Ce statut ne doit rien au hasard : l’artiste l’a cherché en mettant notamment en scène sa vie sexuelle avec l’actrice pornographique italienne la Cicciolina à travers une série d’œuvres.

Il atteint régulièrement des records de vente. En 2019, sa sculpture de lapin a ainsi été vendue 91,1 millions de dollars, ce qui en fait l’œuvre d’un artiste vivant la plus chère.

Avant que le Pop Art américain n’envahisse le monde entier, ce courant naît en Angleterre, au milieu des années 1950. La publicité et les magazines en sont la base.

L’un de ses principaux artistes, Richard Hamilton, définit le courant ainsi en 1957 :

« Le Pop Art est : Populaire (destiné aux masses), Éphémère (à court terme), Consommable (facilement oubliable), peu coûteux, produit en série, jeune (destiné aux jeunes), spirituel, sexy, gadget, glamour, gros business. »

Pour atteindre son objectif, Warhol reprend à son compte une technique d’impression venue de la presse : la sérigraphie. Elle lui permet de créer des toiles rapidement, et donc en très grand nombre.

Reproduites en de multiples exemplaires, cette boîte de soupe à la tomate se rapproche encore plus de son modèle : la soupe produite à la chaîne dans des usines.

Mais concrètement, comment fait Warhol pour obtenir toutes ces reproductions ?

• Ses dates : 1928 – 1987
• Dessinateur de mode, Warhol peint ses premières œuvres en reproduisant des images de BD comme Superman.
• Deux ans plus tard, il reproduit à l’infini des boîtes de soupe, des bouteilles de Coca et des portraits d’Elvis Presley ou Marilyn Monroe avec des couleurs stridentes.

• Personnalité charismatique et médiatique, il se hisse au niveau de ceux dont il fait le portrait en devenant lui-même une star.

 

• Avec lui, il n’y a plus de grand art ou d’art populaire : il relie les deux et transforme le tout en un objet de consommation.

 

• Assumant cela, il déclare : « Après avoir fait ce qu’on appelle de l’art, je me suis mis à l’art des affaires ».

Pendant que le Nouveau Réalisme se développe en France, un courant artistique similaire gagne les États-Unis : le Pop Art.

 
Pop signifie « populaire » car les artistes de ce mouvement se servent des images de la télévision, du cinéma, de la pub ou de la BD pour créer leurs œuvres.

Le Pop Art est en fait le courant artistique de la société de consommation. Et comme les Nouveaux Réalistes, ses artistes donnent aux objets du quotidien le statut d’œuvres d’art.

Si Arman a l’idée de l’exposition « Le Plein », c’est parce que son ami Yves Klein a réalisé deux ans plus tôt, dans la même galerie, une exposition surnommée « Le Vide » car l’artiste n’y présentait aucun objet.

Lors de l’ouverture de l’exposition, un cocktail bleu était servi aux visiteurs. Quelques heures plus tard, chacun avait la surprise d’uriner bleu. Une manière ludique d’absorber la couleur !

Dès 1956, la couleur bleue est la marque de fabrique de Klein*. Il dépose même la formule chimique d’un mélange de pigments bleus et de liant qu’il appelle IKB (International Klein Blue). Et comme Klein ne fait jamais les choses à moitié, il peint près de 200 monochromes IKB en 7 années.

Des monochromes ? Oui. Des toiles intégralement bleues.
 
 

*Yves Klein a créé la formule d’une couleur-matière, la formule déposée auprès de l’INPI porte sur l’alliance d’un liant au pigment bleu outremer, ce liant ayant la particularité de s’évanouir sous la toile pour ne laisser apparaître en surface que le pigment pur.